Las distintas manifestaciones de la expresión artística. (17/11/2023)

 

En la entrada anterior hemos visto en video un breve recorrido cronológico  sobre las funciones del arte a lo largo de la Historia del Arte. Descubrimos periodos más o menos extensos como son la Prehistoria, el mundo clásico (Grecia y Roma), la Edad Media, la Edad Moderna y la Edad Contemporánea. 

En todos esos periodos hemos visto muestras de manifestaciones artísticas son todas aquellas formas o expresiones vinculadas con el arte, que pueden o no formar parte de las bellas artes tradicionales. Se trata de un término “paraguas”, es decir, en el que tienen cabida fenómenos artísticos muy diferentes entre sí, como la pintura, el teatro, el circo, la danza, el collage, entre muchos otros.

En un sentido estricto, cualquier forma de arte puede ser considerada como una manifestación artística, incluso aquellas que gozan de mayor legitimación y prestigio. Esto se debe a que, desde un punto de vista sociológico, nada distingue a las formas tradicionales de arte de las minoritarias, pues en ambos casos se trata de medios expresivos puestos al servicio de la creatividad de las personas. 

 Los frutos de esta expresión pueden ser duraderos y universales (eso que conocemos como obra de arte, como una ópera renacentista) o pueden ser efímeros y locales (lo que se llama a menudo folklore, como las danzas rituales de una etnia africana). En ambos casos, se está ante una manifestación artística, o sea, la satisfacción de una necesidad expresiva.

Es imposible saber la función concreta de la expresión artística durante la Prehistoria, pero sí parece evidente que tenía que ver con la búsqueda del éxito en la caza, por ejemplo. También se habla de un acercamiento a las deidades. 

Los modos de representación y creación de las artes plásticas 

Cuando pensamos en Arte, lo que nos viene a la cabeza son las expresiones artísticas más conocidas y, quizá, académicas: arquitectura, pintura y escultura. Sin embargo, el arte es mucho más que eso. Arte es también literatura: poesía, teatro, prosa... Arte es también música, cine, moda, diseño, fotografía. Pero también técnicas tradicionales como la ebanistería, la joyería, la cerámica, el trabajo del cristal, el mobiliario, los ropajes... 

La expresión artística abarca una amplia variedad de manifestaciones y formas a través de las cuales los artistas pueden comunicar sus ideas, emociones y visiones al mundo. Estas manifestaciones pueden ser categorizadas en diversas disciplinas o categorías artísticas. 

A continuación, se describen algunas de las principales manifestaciones de la expresión artística: 

Artes Visuales: 

• Pintura: Utilización de colores y formas en una superficie, generalmente lienzo o papel, para crear imágenes visuales. 
• Dibujo: Creación de imágenes mediante líneas, sombreado y trazos en papel u otros medios. 
• Escultura: Creación de formas tridimensionales utilizando diversos materiales, como piedra, madera, metal o arcilla. 
• Fotografía: Captura de imágenes mediante cámaras para expresar conceptos, emociones o documentar la realidad. 
• Arte Digital: Creación de obras de arte utilizando herramientas digitales, software y tecnología informática. 

Artes Escénicas: 

• Teatro: Representación de historias, personajes y emociones en un escenario mediante actuación en vivo. 
• Danza: Expresión artística a través del movimiento del cuerpo, a menudo acompañada de música. 
• Música: Creación y ejecución de composiciones sonoras utilizando instrumentos y voces. 
• Ópera: Forma de teatro musical que combina canto, actuación y música orquestal. 
• Cine: Creación de narrativas visuales y auditivas a través de la cinematografía. 

Literatura y Escritura: 

• Novela: Narración extensa de ficción que desarrolla personajes y trama. 
• Poesía: Uso de lenguaje artístico y lírico para explorar emociones y temas abstractos. 
• Cuento: Narrativa breve que presenta una trama y personajes de manera concisa. 
• Ensayo: Forma de escritura que explora ideas, opiniones y argumentos sobre temas específicos. 
• Guiones: Escritura destinada a ser representada en películas, teatro, televisión o radio. 

Artes Decorativas y Aplicadas: 

• Diseño Gráfico: Creación visual de elementos gráficos para comunicación y diseño. 
• Diseño de Moda: Creación de prendas de vestir y accesorios con un enfoque en la estética y la funcionalidad. 
• Arquitectura: Diseño y construcción de estructuras y espacios habitables o utilitarios. 
• Artesanía: Creación de objetos decorativos o funcionales mediante habilidades manuales, como cerámica, vidrio soplado, tejido, etc. 

Artes Escritas y Visuales: 

• Historieta o Cómic: Narrativa visual que combina dibujos y texto para contar una historia. 
• Ilustración: Creación de imágenes para acompañar textos o comunicar ideas de manera visual. 
• Libros de Artista: Creación de libros como obras de arte, donde el diseño y la narrativa se entrelazan. 

Performance y Arte Conceptual: 

• Arte de Performance: Presentaciones en vivo donde el artista actúa o realiza acciones frente a una audiencia. 
• Arte Conceptual: Enfoque en la idea o concepto detrás de una obra, a menudo con una manifestación visual o performativa. 
• Arte Interdisciplinario: Fusiones de múltiples disciplinas artísticas para crear obras que aborden temas complejos. 
• Artes Digitales: Uso de tecnología digital, realidad virtual y medios electrónicos para crear obras de arte. 
• Arte Efímero: Obras que tienen una vida corta o temporal, como instalaciones temporales en el espacio público. 

Estas son algunas de las principales manifestaciones de la expresión artística, pero el arte es un campo vasto y diverso, y los artistas a menudo exploran y fusionan diferentes disciplinas para crear obras únicas y significativas. La elección de la manifestación artística depende de la visión y la intención del artista y puede evolucionar con el tiempo a medida que se exploran nuevas formas de expresión. Como ves, hablamos de un espectro tremendamente amplio el que compete al concepto de Arte. 

Nosotros, además, a lo largo de la materia trataremos de abarcar los máximos modos de creación posible. Es cierto que gran parte del peso caerá sobre las más conocidas (pintura, escultura, arquitectura), pero no obviaremos, ni mucho menos, el resto. 

Arquitectura, escultura y pintura 

Las tres expresiones artísticas más conocidas y sobre las que más se trabajan son: arquitectura, pintura y escultura. 

• La arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios y otras estructuras y espacios. 

• La escultura es es el arte de los volúmenes, de las tres dimensiones, de la capacidad de moldear figuras con cualquier material. 

• La pintura es la técnica de crear imágenes a través de la aplicación de color sobre cualquier superficie.

Torre Pelli. Sevilla Imagen en Wikimedia Commons. Licencia CC 

La arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios y otras estructuras y espacios. Desde las primeras construcciones megalíticas hasta los edificios más modernos, tenemos un amplio espectro de un tipo de expresión artística en el que el ser humano ha sido capaz de plasmar la evolución de los tiempos, del gusto, de las técnicas y de la mentalidad. 

Si hay algo que diferencia a la arquitectura del resto de las artes es su carácter eminentemente práctico. Los edificios se levantan con un uso concreto, normalmente de habitabilidad, pero también de uso profesional o, simplemente, expositivo. Es cierto que en muchas ocasiones, lo estético ha primado sobre lo práctico, pero esto no es óbice para tener claro que la arquitectura tiene siempre una función concreta.

Otra diferencia con respecto a las demás expresiones artísticas es el de los costes de su creación. Es una obviedad, pero es importante indicar que es el tipo de creación artística que más costes conlleva, así como el que más trabajadores pone en juego, aunque aquí nos limitaremos siempre al arquitecto o diseñador. 

                                                           Museo Gugeheim Bilbao Imagen en Wikimedia Commons. Licencia CC 

La escultura es el arte de los volúmenes, de las tres dimensiones, de la capacidad de moldear figuras con cualquier material, desde el barro al mármol pasando por el hierro, el acero, la cera... Ha servido para decorar edificios, para educar y enseñar a los fieles, para atemorizarlos o iluminarlos, para celebrar victorias y éxitos, y también para expresar ideas y cambio. 

Three Piece Sculpture: Vertebrae by Henry Moore at the Israel Museum, Jerusalem 

 A lo largo de estos contenidos veremos que hay diferentes formas de actuar con respecto a la escultura: el relieve, el bulto redondo; diferentes técnicas: modelado, extracción, sacado de puntos, vaciados...; distintos materiales y miles de formas de expresión, de movimiento y de juegos de volúmenes diferentes. 

Ya irás conociendo las diferentes técnicas artísticas a lo largo de la materia, pero como introducción, creemos que este vídeo sobre el sacado de puntos, técnica escultórica, te puede venir bien e iluminar sobre la complejidad de la creación artística: https://youtu.be/fvrdtCpL0Js 

El rapto de Europa, de Fernando Botero, 1994.

La pintura es la técnica de crear imágenes a través de la aplicación de color sobre cualquier superficie. Es quizá la más antigua de todas las formas de creación artística y ha evolucionado desde las primeras pinturas rupestres allá por el año 20.000 a. C hasta las expresiones más modernas de abstracción contemporánea. Es mucha y muy rápida la evolución de la pintura contemporánea, especialmente, desde finales del siglo XVIII hasta nuestros días. 

Es, posiblemente, la expresión artística más utilizada por el ser humano por su relativa sencillez para desarrollarla (no necesita materiales caros, ni grandes espacios, ni ingentes cantidades de dinero) y en la que se ven a la perfección cómo y cuánto han evolucionado los gustos e intereses de los pintores y, por lo tanto, de las sociedades en las que vivían. 

 Sirenas, de Gustav Klimt. 

Para que lo tengas presente: Pinterest es una herramienta tremendamente útil que ofrece la Web 2.0. Si no la conoces, te animamos a que lo hagas porque, sobre todo, para amantes del arte es muy práctica ya que te permite encontrar y organizar imágenes. 

A lo largo de esta asignatura trabajaremos varias veces con ella, pero ahora queremos que hagas una primera aproximación. 

Basta con que entres en el Pinterest dedicado a diferentes técnicas artísticas relacionadas con la educación y que elijas las 3 que te resulten más atractivas y comentes en qué consisten, justificando además, por qué las has elegido. 

Nota: es interesante que te des de alta en la aplicación, así podrás descubrir lo que sube otra mucha gente y, además, ir creando tus propios tableros. 

Otras expresiones artísticas: artes decorativas y la creación musical 

No solo de "bellas artes" vive el ser humano. Todas aquellas creaciones artísticas que van más allá de la pintura, la escultura o la arquitectura han estado, durante siglos, minusvaloradas. Tanto que durante mucho tiempo se las conoció como artes menores. Estas eran las que hoy, en cierto modo, podemos vincular con la artesanía, con la labor de creación ligada a la funcionalidad. 

Aunque claro, esto no es del todo justo, habida cuenta de que también las bellas artes son útiles (la arquitectura la que más, sin duda) y de que muchas de las piezas de estas artes menores, en realidad, no tienen otro uso que el decorativo. Sea como sea, es obvio que este concepto está superado y que el actual "artes decorativas", aunque limitado, hace una referencia más honesta a la realidad. 

En este afán de superar la idea de una expresión artística menor con respecto a las bellas artes, se habla también de artes aplicadas, por aquello de aplicar decoración u ornamento a un objeto útil; de artes suntuarias, relacionadas con la joyería y los metales preciosos y también de artes industriales, ojo, no de diseño industrial (que también, aunque es una expresión contemporánea), sino de esa producción en serie, de producción y fabricación mecánica y con un componente estético que nace con él, y no como una suma posterior. 

Importante Las bellas artes no son las únicas expresiones artísticas creadas por el ser humano. Las artes decorativas tienen un peso fundamental en las culturas y las estéticas de cada momento. Dentro de estas artes decorativas hay que incluir expresiones tan diversas como el trabajo en barro, la eboraria, el trabajo en vidrio o la joyería. 

Las expresiones o manifestaciones artísticas que podemos englobar dentro de las artes decorativas son, grosso modo, las siguientes: 

Metal: Forja y platería 

Marfil:  Eboraria 

Vídrio: Esmalte, vidrieras, soplado 

Barro: Cerámica, azulejería 

Madera:  Ebanistería y carpintería 

Cuero: Corioplastía 

Hilo: Tejido (aguja) y textil (telar)

Las artes decorativas también tienen espacios expositivos de gran valor e interés. En los últimos años, estos han potenciado su visibilidad, de modo que se han convertido en espacios muy visitados y reconocidos. 

El Museo Nacional de Artes Decorativas es quizá el más importante de cuántos hay en España. En Sevilla, el Museo de Artes y Costumbres Populares, además de una colección de gran interés, organiza exposiciones temporales de mucha calidad y que suelen tener mucho éxito de crítica y público. 

Algo parecido ocurre con el Museo de Artes y Costumbres Populares de Málaga, este patrocinado por una institución bancaria. 

La música

La creación musical es una expresión humana que parece ser consustancial al propio ser. El golpeo de las manos o de palos con diferentes elementos generaban sonidos con los que crear expresiones musicales que tenían, se diría, una función puramente estética. 

La música, ese arte de combinar sonidos de la voz humana o de los instrumentos, o de unos y otros a la vez, como dice la RAE en su séptima acepción, es un producto cultural creado para conmover, para hacer sentir, pero también para transmitir ideas, sentimientos o experiencias. Es, por lo tanto, un estímulo que se envía a un receptor y que es interpretado de forma diferente por cada uno de ellos, de modo que puede tener una función no solo dependiendo del que la crea, sino también del que la recibe. Sea como sea, la música es un hecho inseparable del ser humano independientemente de la cultura o el momento histórico al que pertenezca. Es, posiblemente, el tipo de expresión artística más cercano y más popular, de ahí que sea el que más recorrido y variedad posee. 

La música es la expresión artística más popular de cuantas forman parte de las creaciones humanas. La fotografía y el cine son quizá de las más actuales, pero han llegado a convertirse en las más populares con la llegada de la contemporaneidad. 

El siglo XIX nos dejó un magnífico legado artístico que va desde la música hasta el cine, pasando por la moda y el mobiliario. Conceptos como industrial, ecléctico, enérgico, tradición, innovación, oriental… son típicos de esta centuria. 

Por su actitud ante el mundo, Beethoven se convirtió en el modelo por excelencia del movimiento musical romántico, dotando de fuerza y energía a la música contemporánea, dejando piezas inmortales como su sonata Patética y sus sinfonías Quinta y Novena. 

El piano fue el instrumento protagonista de toda la centuria. Con el Romanticismo surgen los nacionalismos musicales, que reivindican a través de su folklore y tradiciones los valores propios de esos pueblos. 

Destacaron compositores como el polaco Chopin, el finlandés Sibelius, el checo Dvorak y el ruso Korsakov. La ópera y la danza fueron los espectáculos más populares, construyéndose teatros para albergar a dichos espectáculos por toda Europa. 

La ópera conoció su mayor apogeo de la mano de dos genios indiscutibles en este campo, como fueron Verdi y Wagner. Verdi evolucionó desde el Bel Canto hasta el verismo, creando magníficas composiciones que siguen gustando hoy día. Wagner creó lo que él denominó obra de arte total, fusionando la música, el canto, la literatura y la pintura para crear fastuosas representaciones que aún hoy nos siguen fascinando. 

La zarzuela brilló en España como su género popular y distintivo por excelencia. En las zarzuelas el pueblo se divertía y emocionaba, se aprendía las canciones de memoria para no dejarlas da cantar por las calles y las escuchaban de nuevo en los cabarets en forma de cuplés. Las zarzuelas se dividían en géneros grande y chico, y las compusieron músicos como Chueca, Chapí y Bretón. 

Fotografía y cine

Dos de las expresiones artísticas más actuales y populares son la fotografía y el cine. 

La primera de ellas se ha democratizado tanto que no hay una persona en occidente que no tenga una cámara de fotos (aka teléfono móvil) con la que, en algún momento, haber creado una auténtica obra de arte. Seguro que incluso tú mismo, en algún momento a una foto especial le has pasado un filtro y la has puesto en blanco y negro. No hacía falta. Si te gustaba y creías que tenía valor estético y técnico, ya era una obra de arte. 

Sea como sea, la fotografía aparece y se desarrolla a partir del siglo XIX, aunque será a principios del XX cuando esta comienza a ser tratada como auténticas creaciones artísticas y cuando artistas de otras disciplinas, especialmente pintores, se adentran en este mundo, un mundo nuevo de creación casi ilimitada. Y ya después llegó Instagram. 

El término fotografía procede del griego phōs, que significa luz, y de grafos, que quiere decir dibujar o escribir. Esto es, la fotografía significa escribir con la luz. 

Por su parte, la cinematografía de donde deriva la más común, el cine, fue un neologismo creado a finales del siglo XIX y compuesto a partir de dos palabras griegas: kiné, que significa movimiento y grafos. Con ello se intentaba definir el concepto de imagen en movimiento. 

La fotografía

La fotografía nace hacia 1840 tras siglos de experimentaciones. Con el daguerrotipo por fin se pueden fijar las imágenes gracias a las sales de plata y un complejo proceso químico de revelado. Las mejoras técnicas se sucedieron a lo largo de toda la centuria hasta culminar con la película enrollable de negativos y el autocromo para captar los colores. 

La fotografía nace tras siglos de ensayos con sustancias fotosensibles, como las sales de plata, y gracias a inventos anteriores como la cámara oscura y la cámara estenopeica. Con el daguerrotipo asistimos a la aparición de la primera estampa fotográfica, y los avances y mejoras en la técnica de la fotografía no dejaron de sucederse, apareciendo el calotipo, ferrotipo, película de negativo enrollable y el autocromo que permitía capturar los colores. 

El inicio: las innovaciones técnicas 

Oficialmente la fotografía comienza en 1839 cuando se patenta con éxito el daguerrotipo. Supuso el culmen de siglos de experimentación, muchos fracasos y algún que otro logro que hicieron posible que hoy día capturemos imágenes con nuestro teléfono móvil con tan solo un click. 

Como antecedentes podemos citar a la cámara oscura y la cámara estenopeica. La primera publicación sobre la cámara oscura es de 1521, de Cesare Cesarino, un alumno de Leonardo da Vinci. 

Diseño de una cámara oscura del siglo XVIII, funcionamiento de una cámara estenocópica y vista de Cádiz desde su cámara oscura, la Torre de Tavira

Hacia la mitad de esa centuria el uso de cámaras oscuras era ya muy popular entre los pintores, y se le incorpora una notable mejora: una lente en la apertura de la cámara. Mientras el científico G. Fabricus experimenta con sales de plata. 

Se mejoran también las cámaras estenopeicas, un invento ya descrito por el físico, matemático y astrónomo Ibn al-Haytham en el siglo X en su libro Óptica, diciendo que cuanto más pequeño sea el orificio de la caja, más nítida será la imagen. 

Una cámara estenopeica es básicamente una caja cerrada para que no entre luz y con un orificio en una de las paredes, que proyectará la imagen invertida en la cara posterior. El problema es que en esa época no sabían cómo fijar esa imagen proyectada. 

En el siglo XVII la cámara oscura pasa de ser una habitación a un artilugio portátil, siendo el antecedente de los aparatos fotográficos del siglo XIX. Se sigue investigando con sales de plata, sin saber aún con certeza por qué se oscurecían en contacto con el aire y la luz solar, ni pudiendo fijar las imágenes a ninguna superficie. El pintor italiano Canalleto será un fiel usuario de la cámara oscura, no pintando cuadro alguno sin antes haber realizado bocetos con la ayuda de su cámara como se aprecian en la imagen que hay justo debajo. 

Como curiosidad diremos que a la cámara oscura también se la conocía como Caja mágica pues se decía que el orificio y las imágenes eran producto del unicornio, que perforaba la caja y ayudaba a crear la imagen que se colaba por ella. 

En el año 1826 el científico francés Niepce obtuvo por fin una primera imagen fotográfica propiamente dicha, la Vista desde la ventana en Le Gras, obtenida usando una cámara oscura, una placa recubierta de betún y mucha paciencia, pues el experimento le llevó ocho horas de exposición al sol. 

Cámara oscura de Daguerre Imagen de L & Nelson en Wikipedia de dominio público 

Un año más tarde, Louis Daguerre continúa con los experimentos de Niepce y en 1839 hace pública su técnica fotográfica: el daguerrotipo. 

Las primeras fotografías de la historia se realizaron sobre placas de plata o de cobre plateado, pulidas como un espejo, expuesta a vapores de yodo para hacerla fotosensible, sobre la que se aplican microscópicas partículas de mercurio y plata, y tras la exposición a la luz, se revelan con vapores de mercurio, altamente tóxicos como ya descubrirás al final del tema. 

Vista desde la ventana en Le Gras

Al principio se necesitaban de exposiciones de unos diez minutos, pero en 1841 ya se hacían retratos tras un minuto de exposición, gracias al rápido perfeccionamiento de la técnica y al uso de unas lentes especiales llamadas lentes u objetivos Petzval. Son como las fotografías polaroid, es decir, las imágenes son a la vez positivos y negativos. No se pueden sacar copias de los daguerrotipos, y además son muy frágiles, no pudiendo ni tocarse ni sacarse de su estuche protector. Pero qué más da, por fin tenemos las primeras fotografías. Una nueva revolución técnica del siglo XIX. 

Barricadas en París durante la revolución de 1848 Imagen de Thibault en Wikipedia de dominio público

Interior de un salón hacia 1850 Imagen en Wikipedia de dominio público 

Primer retrato al daguerrotipo Imagen en Wikipedia de dominio público 

Calotipo de 1847 Imagen en Wikimedia de dominio público 

Casi al mismo tiempo otros científicos estaban desarrollando otros métodos fotográficos, como William Fox Talbot, que creó un procedimiento para crear copias en papel a partir de negativos, procedimiento que denominó calotipo o talbotipo. Con el calotipo nacen dos características de la fotografía actual: su bajo coste económico y la posibilidad de sacar copias. El calotipo usa un papel con una capa de nitrato de plata y ácido gálico que se revela con hiposulfito sódico. 

A partir de 1855 comienza el declive del daguerrotipo, que se verá sustituido paulatinamente por la nueva técnica del colodión húmedo, que permitía obtener muchos positivos en papel a la albúmina, obteniéndose unas copias con gran nitidez y amplia gama de tonos. La albúmina fue el papel fotográfico más utilizado en la segunda mitad del siglo XIX. 

En 1854 se patentó la ambrotipia, un proceso fotográfico que crea una imagen positiva en una placa de cristal, mediante el proceso del colodión húmedo. Una variante de los ambrotipos son los ferrotipos, realizados sobre una placa metálica de hierro. 

Un negativo de vidrio al colodión, que sobre fondo negro, puede parecer un positivo. Imagen de R. Boshi en Wikipedia bajo licencia GNU 

Ferrotipo de 1899 Imagen de Barley en Wikipedia de dominio público 

Pero la técnica sigue evolucionando sin parar, y de estos procedimientos más bien artesanales que dependían de la destreza del fotógrafo y sus conocimientos casi infinitos en materias como la física y la química, se pasó hacia 1880 a usar unas técnicas más industriales como las nuevas placas secas al gelatino-bromuro y la película flexible de nitrato. 

La gran Esfinge en una fotografía sobre papel de albúmina, 1867 Imagen en Wikimedia de dominio público 

La última y decisiva gran novedad del diecinueve fueron las cámaras con carretes de película enrollable, que sustituyeron a las tradicionales películas planas, que George Eastman y la casa Kodak sacaron al mercado en 1888. 

La fotografía en color registró toda una serie de ensayos más bien frustrados con técnicas muy dificultosas e imperfectas. La primera fotografía en color fue obtenida por el físico Maxwell en 1861, realizando tres exposiciones sucesivas con filtros coloreados rojo, verde y azul. Lo que se hacía era colorear las fotografías a mano, usando acuarelas, anilinas e incluso óleo. 

Las primeras placas fotográficas en color se llamaron Autochrome y las inventaron unos hermanos muy espabilados en 1903, un poco antes que su otro gran invento. Hablamos de los hermanos Lumière, protagonistas de otro gran invento: el cinematógrafo. 

El autochrome se basaba en placas de vidrio con una rejilla con puntos de los tres colores primarios luz que se ponía encima de la placa fotográfica en blanco y negro. Es como funciona la pantalla de nuestros televisores pero de forma más rudimentaria. 

Curiosidades:

¿La primera modelo? 

Se llamaba Virginia Oldoini, Condesa de Castiglione, fue una noble, agente secreto y amante de Napoleón III, colaboró estrechamente con los fotógrafos Pierre-Louis Pierson y Adolphe Braun. Este último publicó en 1856 un libro con 288 retratos de la condesa, convirtiéndola en la primera modelo de la historia. Aquí tienes dos ejemplos de la retratada. 

Nuestra idea del mundo:

En 1909, el francés Albert Kahn viajó a Japón por negocios con su chófer y fotógrafo, Alfred Dutertre, y regresó con muchas fotografías de su viaje que había realizado usando placas de Autocromo. Tanto gustaron que decide acometer un proyecto a nivel mundial: se propone fotografiar toda la Tierra. Entre 1909 y 1931 realiza 72.000 fotografías en color y 183.000 metros de película que forman un archivo único conocido como Los Archivos del Planeta. 

La fotografía como expresión artística

El siglo XIX supone el comienzo de la convivencia de la tradicional forma de representación, la pintura, con esta nueva técnica que también permite captar la realidad, según sus creadores, de una manera más fiel científicamente. 

Pero esa convivencia no fue fácil especialmente durante la segunda mitad de la centuria, y veremos que hubo varias corrientes artísticas fotográficas que unas veces imitaban a la pintura y otras querían diferenciarse claramente de ella. 

Durante la segunda mitad del siglo XIX se suceden tres grandes corrientes fotográficas: 

• Fotografía academicista o artística: se actúa sobre la realidad, modificándola como si se tratase de una pintura copiando los temas y adornándola con disfraces, decorados, iluminaciones,... propias de las grandes obras maestras de la pintura. 

• Pictorialismo, que reivindica el valor de la fotografía en sí misma, actuándose ahora en los elementos propios de ese lenguaje, como son la cámara, las lentes, el revelado, etc. en un deseo de crear fotografías con alto valor artístico. Será ahora la pintura la que se fije en la fotografía para imitarla, como pasó con el Impresionismo. 

• Realismo fotográfico, iniciado por el francés Nadar, que defiende la no actuación ni modificación de la realidad ni de los procesos fotográficos, tan sólo se cuidan la iluminación, el encuadre y las poses de los retratados. 

Con el nombre de fotografía academicista o artística se conoce a la corriente fotográfica que incorporó a esta nueva disciplina, elementos propios de la pintura. Este movimiento fotográfico surge como reacción a las críticas que negaban el valor artístico de la fotografía. 

Sus integrantes son fotógrafos que reivindican la fotografía buscando inspiración en la pintura academicista, de la que toman sobre todo sus temas y géneros: mitológicos, históricos, costumbristas, alegorías, etc. 

Defienden también la artisticidad de la fotografía buscando que las fotos sean lo más laboriosas o complicadas de realizar. Para ello primero se realiza un boceto previo, luego se utilizan decorados, disfraces,..., se recurre a la composición de negativos mediante el fotomontaje. 

Entre los fotógrafos de esta corriente destaca Eugène Disdéri , que llega a redactar un manifiesto de este movimiento en su Arte de la fotografía de 1862. También hay que mencionar a Fernando Navarro, Oscar Rejlander, Henry Peach Robinson y Julia Margaret Cameron. los años 1880 y el final de la Primera Guerra Mundial. 

Retrato de Giuseppe Verdi por Disdéri, en formato  tarjeta de visita. Imagen en Wikipedia de dominio público

El nombre del movimiento pictoralista deriva del término inglés picture (imagen, cuadro, pintura, fotografía) y no se debe confundir con la anterior, también denominada pictórica o pictoricista y que estuvo muy relacionada con la pintura. 

El pictorialismo reivindica los valores propios de esta nueva disciplina para la realización de obras de arte en plena igualdad con las disciplinas clásicas, renunciando a la imitación de la pintura. Le sacan todo el partido posible a las máquinas con las que contaban, a la utilización de lentes y filtros variados, hay que sumar el uso de objetivos antiguos, a no usar ningún objetivo, a desenfocar partes de la imagen y a actuar en las fases de revelado y positivado de las fotografías. Se añaden carbón, bromóleo, goma bicromatada, u otros pigmentos a las emulsiones buscando resultados diferentes a las imágenes tradicionales, surgiendo así el concepto de impresiones nobles y otorgándole un valor añadido a las fotografías. En este caso será la pintura la que se fije en la fotografía, y así podemos afirmar que el pictorialismo ayudó a que surgiera ni más ni menos que el Impresionismo. Algunos autores pictorialistas son Peter Henry Emerson, Robert Demachy o Henry Peach Robinson. 

Iglesia de Santa María de la Salud, Venecia, por Alvin Langdon Coburn Imagen en Wikimedia de dominio público 

Paisaje con figura, de Clarence H. White  Imagen en Wikimedia de dominio público

Fotografía de Alvin Langdon Coburn Imagen en Wikimedia de dominio público 

El realismo fotográfico nos llegó de la mano de un francés, Gaspard-Félix Tournachon (1820- 1910), más conocido como Nadar, fue uno de los fotógrafos más famosos de la centuria, además de, periodista, ilustrador, caricaturista y aeronauta, iniciador del retrato fotográfico y que defendió el realismo frente a los artificios descritos anteriormente.

Casi por causalidad compró una cámara fotográfica que utilizó para retratar a sus amistades, como por ejemplo el poeta Charles Baudelaire, y ya nunca se separó de ella. Nadar se negó rotundamente a colorear las fotografías, ni usó jamás decorados ni retoques. 

Nadar únicamente se sirve de la luz y del gesto del retratado como principales elementos de sus fotografías. Tenemos pues al primer fotógrafo moderno de la historia, pues lo único importante de un retrato es el rostro del retratado. A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. 

La actriz francesa Sarah Bernhardt, por Nadar, en torno a 1864. Imagen en Wikipedia de dominio público 

Autorretrato Imagen en Wikipedia de dominio público 

Gustave Eiffel, 1888 Imagen en Wikipedia de dominio público 

Una curiosidad que os impactará: La fotografía de difuntos o post mortem fue una práctica muy extendida, que consistía en vestir al cadáver con sus ropas y hacerle una foto o bien solo o en compañía de sus familiares y amigos. 

La fotografía mortuoria era algo sentimental, un último recuerdo de los seres queridos, llegando incluso a simular que el difunto tiene aún vida, pues en ocasiones posaban con los ojos abiertos y como si estuvieran realizando alguna acción. 

Padres posando con su hija fallecida Imagen en Wikipedia de dominio público 

Así se inició la fotografía, un arte que irá evolucionando en el tiempo hasta dar con grandes artistas como Edward S. Curtis, el fotoperiodismo, el inicio de la fotografía moderna con la Escuela de Dusseldorf, o la postfotografía. De todo ellos y de gran parte de ello, ya hablaremos.

El cine

El cine, por su parte, surge como un invento de corte científico. Al menos ese fue el interés de los hermanos Lumière, pero en seguida fue provisto de un halo artístico que acabó derivando en otro comercial. Es, junto a la música, la expresión artística más popular y de mayor calado a nivel entretenimiento. 

El lenguaje cinematográfico parte de cuatro elementos básicos: 

• Selección de partes de la realidad (en este sentido comparte con la fotografía, la pintura o la escultura).

• Los movimientos 

• El montaje 

• El sonido 

El cine con argumento y efectos especiales comienza en 1902 cuando el genial Georges Méliès estrena su asombroso Viaje a la Luna.

Invento y primeros pasos. 

Gracias a todas las innovaciones técnicas, los adelantos científicos, las nuevas comunicaciones, las ciudades y sus masas de habitantes, y sobre todo el logro de la fotografía, todo esto consiguió que se despidiera el siglo XIX con uno de los mayores inventos de la humanidad: el cine. Gracias a la fotografía surge a finales del siglo el cine, con precursores como la linterna mágica, el zoótropo y la fotografía en movimiento o cronofotografía. 

Los hermanos Lumiére proyectan la primera película en 1895, y otros precursores serán Meliés, Chomón y Pathe. 

 El viaje a la Luna, de George Méliès. Imagen en Wikipedia de dominio público 

El 28 de diciembre de 1895, los hermanos Lumière mostraron ante treinta personas en el Salón Indien de París, unos documentales de pequeña duración sobre trabajadores saliendo de fábricas y trenes. En el film titulado La llegada de un tren a la estación de Ciotat, fue tal el efecto producido en la pantalla por una locomotora en movimiento que algunos espectadores salieron despavoridos de la sala pensando que el tren los iba a arrollar. El cine había nacido. 

Una cosa sí debes tener clara: los Hermanos Lumière siempre pensaron en el cine como en un proyecto científico, no como un espectáculo. Los hermanos de Besançon plantearon el invento dentro de un proceso de investigación puramente científico. Es más, llegaron a declarar que el cine era "una invención sin ningún futuro". Grandes creadores, sí, pero como visionarios, eran mejorables. 

El primer cartel de cine de la historia, el de la película El regador regado de los Hermanos Lumière (1895) Imagen en Wikipedia de dominio público 

Esta idea central del cine de reproducir imágenes en movimiento ya viene desde la época de la cámara oscura y otra serie de aparatos, como fueron: 

• La linterna mágica. Basado en el diseño de la cámara oscura, que mediante un juego de lentes recibía imágenes del exterior, las guardaba en su interior en transparencias pintadas de vidrio, y las proyectaba hacia el exterior ampliadas mediante la luz que le proporcionaban las lámparas de aceite. Los primeros aparatos de este tipo datan de 1646. 

• El zoótropo es una máquina estroboscópica creada en 1834 por William Horner, compuesta por un tambor circular con unos cortes y unos dibujos dispuestos en tiras sobre éste, de manera que cuando está girando y miramos a través de una de las rendijas, los dibujos dan la ilusión de movimiento. 

• La cronofotografía de Muybridge. La fotografía no tardó en convertirse en cronofotografía gracias al fusil fotográfico de Jules Marey . Consistía en un soporte circular con película de negativos enrollable en su interior, que disparaba como el tambor de un revólver, doce fotografías sucesivas y las guardaba en una placa negra por completo. El investigador Muybrige con el fusil fotográfico estudió el galope de los caballos, descompuestos en una serie fotográfica, y luego los movimientos de otros animales y del ser humano. Muybridge se preguntó: ¿era posible que un caballo al galope pudiera permanecer momentáneamente con una sola pata apoyada en el suelo? Y a raíz de ahí comienzan los estudios sobre el movimiento que derivarían unos pocos años más tarde en la invención del cine.

 

Caballo en movimiento de Muybridge Imagen en Wikipedia de dominio público 

• El kinetoscopio de Edison. En colaboración con Muybridge, Edison crea esta sofisticada máquina que se hizo muy popular en fiestas populares y atracciones circenses. Era una caja de madera vertical con una serie de bobinas en movimiento sobre las que corrían catorce metros de película enrollable que pasaban por una lámpara eléctrica. Daba la impresión de movimiento pero no se podían proyectar las imágenes. y por debajo de un cristal magnificador colocado en la parte superior de la caja. Entre la lámpara y la película había un obturador de disco rotatorio perforado con una estrecha ranura, que iluminaba cada fotograma tan brevemente que congelaba el movimiento de la película, proporcionando unas 40 imágenes/segundo. 

Kinetoscopio Imagen en Wikipedia de dominio público 

La función de las primeras películas de los hermanos Lumière era mayormente documental, pequeñas piezas que registraban momentos de la vida cotidiana, como obreros trabajando o a la salida de las fábricas, y algo después lograron el primer film argumental de la historia en clave de humor: El regador regado. 

El verdadero precursor de las películas de cine fue George Méliès. Mago e ilusionista pasó de usar el cine en sus espectáculos como una atracción más, a desarrollar las primeras películas como las entendemos hoy en día, con argumento y escenas, y a crear los primeros efectos especiales. Su obra más conocida es El viaje a la luna de 1902. En el enlace podrás ver una de las obras más importantes y trascendentales de la historia del cine.

Durante estos años surgen la casi totalidad de los géneros cinematográficos y los primeros problemas en lo referente a los derechos de autor cuando se adaptaban al cine novelas y piezas teatrales. Hollywood y la posibilidad de hacer mucho dinero ya estaba en la mente de más de una persona. 

Como las películas eran mudas, unos rótulos en medio de las escenas iban explicando la acción o los diálogos. Y, a veces, un pianista daba el toque musical al espectáculo. 

A principios del siglo XX, el cine ya es una industria. Ha pasado de ser un invento para divertir a ser una máquina de hacer dinero. 

En España hay que recordar a Fructuós Gelabert, el verdadero padre de la cinematografía española, y a Segundo de Chomón, quien sigue los pasos de Méliès en su film El hotel eléctrico (1905), donde los trucajes son de los mejores de la época. Ya a comienzos del siglo XX se comenzaron a realizar películas más cultas para un público burgués de clase media-alta. 

Fotograma de La casa hechizada de Chomón, 1906 Imagen en Wikipedia de dominio público 

En Francia el proyecto se conocía como Films d'Art, títulos basados en obras literarias donde actuaban actores famosos del teatro. 

Charles Pathé marca en Francia el inicio de la industrialización del cine con películas de gran calidad gracias a la dirección de Ferdinand de Zecca, con títulos como La Passión (1902) o El asesinato del duque de Guisa (1904). 

En Inglaterra aparece la llamada Escuela de Brighton, formada por los fotógrafos Smith, Williamson y Collins, que se interesan por los temas bélicos donde proporcionan nuevos recursos técnicos fundamentales para la gramática cinematográfica. 

Pero serán los EE.UU quienes saquen más provecho del invento. En 1903, con la cinta Asalto y robo de un tren, Edwin S. Porter inaugura el cine del Oeste y otra manera de concebir el cine. Pero esto es ya otra historia. 

La decoración y la moda 

Con el auge de la burguesía aparece una moda pensada para ellos. Los hombres se visten con ropa de calidad y líneas austeras, mientras que las mujeres prefieren adornos, grandes sombreros, peinados y vestidos que van desde los sencillos de inspiración neoclásica a la aparición del corsé y el miriñaque.

La forma de vestir masculina será básicamente austera, rígida, con líneas rectas y diseñada para exteriorizar una imagen de señor respetable. El traje masculino del siglo XIX estará confeccionado por tejidos monocromos o con rayas muy discretas, eliminándose el calzón que se sustituye por pantalones con dos perneras. Y no podemos olvidarnos del sombrero, complemento imprescindible durante toda la centuria. 

En este contexto surge la figura del dandy, los primeros galanes de la era moderna, reivindicando la elegancia en el vestir y en las formas, el buen gusto, los detalles y la pulcritud en el aspecto, pero también el buen vivir, el ocio y la vida libertina. 

La sencilla moda neoclásica anterior se irá abandonando paulatinamente a partir de la década del 20, descendiendo la cintura descenderá a su lugar natural y haciéndose poco a poco más estrecha. Con estos cambios llegó el corsé de vuelta al vestuario femenino. Va a resultar que esto de lo vintage no es algo tan novedoso como parece. 

Escotes más bajos y la falda se va ahuecando hasta la típica forma acampanada de la década de los 30. Los sombreros se vuelven complejos, con una gran ala y profusa decoración, como cintas y plumas, y también lo harán los peinados, con los característicos bucles de este período.

En la década de 1840 las mangas se ensanchan, se exagera el escote, los vestidos ganan en amplitud con varias capas de enaguas y se estrecha cada vez más la cintura. Una pieza de seda llamada pelerine o fichu cubre los hombros. 

A partir de los años 50 comienza la época de esplendor del traje femenino: las faldas se agrandan con más y más enaguas y se comienza a utilizar el miriñaque, hecho a base de varillas de acero flexible cosidos a las enaguas.

Durante la segunda mitad, los hombres del siglo XIX conservaron el chaleco blanco y negro, el frac y el pantalón de principios del siglo XIX como traje de noche. Para el día, llevaban una levita con pantalones rectos, un chaleco corto y una camisa con un cuello duro y alto. Era habitual el uso de barbas y bigotes. 

Los peinados femeninos se convierten en una estructura lisa, con una separación central y bucles en ambos lados de la cara, así como un pequeño moño en la parte posterior o, simplemente, peinado hacia atrás desde la cara (mantenido en su lugar con una red o redecilla). Sombreros más pequeños aparecieron en la década de 1870, cuando se levantaron los peinados en forma de moños elaborados. 

En 1872 el francés Marcel Grateau patentó la plancha enruladora que eran unas tenazas de forma de tubo, uno cóncavo y el otro convexo, que se calentaban y mantenían el cabello ondulado. Con todos estos ingredientes surge el traje de sociedad, sujeto siempre a la última moda que dictaban Londres y París, y que era una prenda imprescindible entre las damas de la burguesía para asistir a cualquier evento y mostrar las mejores galas con las que ir a la ópera o la zarzuela. 

Cobraron mucha importancia revistas especializadas como El Correo de las Damas. El siglo XIX se despide con el famoso vestido Delphos, creación del polifacético artista español Mariano Fortuny, tras un viaje que realizó a Grecia.    

En cuanto al arte mobiliario las primeras décadas de 1800 surge en Inglaterra el llamado estilo Regency o Regencia, caracterizado por líneas clásicas pero opulentos adornos y materiales nobles. Hacia 1830 el estilo se vuelve algo más orientalizante, cuyo mejor ejemplo es el Pabellón Real de Brighton. La silla Sheraton de esa época se fabrica aún hoy. 

En Francia, con el advenimiento del segundo imperio surge el estilo Napoleón III caracterizado por el eclecticismo, el lujo y la opulencia y el uso de materiales importados como ornamentaciones, incrustaciones de nácar, maderas oscuras o lacadas en negro ennegrecida.

Para terminar señalar que de las distintas expresiones artísticas que hemos descrito nos centraremos a lo largo del curso en la pintura, en la arquitectura, algo en la escultura, y en la fotografía, quedando el resto relegadas a pequeñas menciones y algunas referencia.  Una pena, pero el curso y los saberes básicos regulados por la normativa no dan más de sí.