Estereotipos culturales y artísticos. La perspectiva de género y la perspectiva intercultural en el arte. El respeto a la diversidad. Descolonizar la mirada (17/11/2023)

Imagen de Angels Unawares”("Ángeles sin saberlo") de Timothy Schmalz

Si has visitado San Pedro del Vaticano últimamente, te habrá llamado la atención una enorme escultura. Se titula “Angels Unawares”("Ángeles sin saberlo") y está allí desde septiembre de 2019, coincidiendo con la 105 Jornada Mundial del Emigrante y el Refugiado.

La escultura, de seis metros de longitud, muestra a un grupo de 140 migrantes y refugiados en un bote. La ropa que llevan indica su procedencia de diversas culturas y momentos históricos. Por ejemplo, hay un judío que huye de la Alemania nazi, un sirio que abandona la guerra civil siria y un polaco que escapa del régimen comunista. Hay dos alas de ángel, con las que el autor sugiere que ayudar a un migrante es como ayudar a un ángel. 

Su autor es Timothy Schmalz. La escultura de refugiados “Angels Unawares” se basa en un pasaje de la Biblia. Timothy persigue la creación de obras de arte con un carácter épico que conectan con los espectadores a través del diseño y los detalles que no solo conmueven a un nivel emocional, sino que también permiten que cualquiera se sienta, de alguna manera, “parte” de la pieza.

El autor de la obra dijo que "quería mostrar los diferentes estados de ánimo y emociones involucradas en el viaje de un migrante". La inspiración del artista fue una cita de la Biblia, en concreto, Hebreos 13: 2, donde dice: "No os olvidéis de ser amables con los que lleguen a vuestra casa, pues de esa manera, sin saberlo, algunos hospedaron ángeles.

En sus propias palabras: «Visualizo mis esculturas como oraciones visuales. Cuando creo una escultura tridimensional en bronce soy muy consciente de que durará más tiempo que yo. Me doy cuenta de que estoy ante dos cosas que trascenderán mi existencia: el cristianismo y el bronce.   

El arte tiene el potencial suficiente tanto de contribuir a la creación de estereotipos culturales y artísticos como de desafiarlos. Los artistas y la sociedad en general deben ser conscientes de la importancia de una representación cultural justa y precisa en el arte y los medios, y trabajar juntos para promover una comprensión más rica y respetuosa de las diversas culturas y grupos que componen nuestra sociedad. 

El arte puede desempeñar un papel significativo en la creación y perpetuación de estereotipos culturales y artísticos, así como en la reflexión y el cuestionamiento de las normas y valores sociales, y puede enriquecer la conversación artística al ofrecer nuevas formas de entender y representar el mundo. 

Los estereotipos culturales son representaciones simplificadas y a menudo exageradas de grupos étnicos, culturales o sociales que pueden llevar a la generalización y la discriminación. 

Otro ejemplo puede ser la obra del artista Bruno Catalano. Este escultor italiano, aunque nacido en 1960 en Khouribga ( Marruecos), cerca de Casablanca, se caracteriza por crear estatuas humanas en las que falta una parte sustancial de ellas. En 1970, con diez años, la familia Catalano abandonó Marruecos y se trasladó a Francia. La sensación de desarraigo infantil se repitió cuando, a los 18 años, embarcó como marinero. Durante algo más de dos años navegó por todo el mundo, sin un hogar fijo. "Mientras fui marinero, estaba siempre dejando parte de mí en diferentes países y lugares y es un proceso por el que todos pasamos. Siento que esto ocurre varias veces durante la vida. A todo el mundo le han desaparecido piezas en su vida que no volverá a encontrar". 

En 1982 empezó a trabajar en la Société Nationale Maritime Corse Méditerranée. Permaneció allí 4 años. 

Catalano se familiarizó con la escultura en 1981 en Marsella, donde se matriculó en las clases de modelaje de Françoise Hamel.Sus fuentes fueron Rodin, Giacometti o Bruno Lucchesi. Sin embargo, él da un paso más allá con este surrealismo del vacío en el espacio. 

Después de dos años de educación, abrió su propia práctica artística en 1985 y consiguió un horno en el que hornearía su primera figura de arcilla. Posteriormente Catalano empezó a realizar grandes esculturas de bronce. Sus primeras obras fueron compactas y convencionales, pero las series posteriores se vuelven cada vez más expresivas.

En 2004, un defecto en uno de sus personajes (una representación de Cyrano) lo impulsó a cavar y vaciar el cofre. Siguió un nuevo camino de trabajo. Una de sus series más famosa es la de Les Voyageurs creada en Marsella en septiembre de 2013, para celebrar su condición de Capital Europea de la Cultura con diez esculturas de tamaño natural expuestas en el puerto de Marsella. Su obra, a día de hoy, se extiende por todo el planeta. 

Se trata de un muestrario cargado de simbolismo de figuras humanas a las que les falta una parte del cuerpo, como metáfora del vacío que queda cuando uno se ve forzado a dejar su tierra, su vida y su gente y también de esas piezas que uno va dejando allá por donde pasa.Parece que están suspendidas en el aire, como si flotasen o levitasen. Realmente hay una sutil unión a través de la maleta. Destacan por su realismo. 

Imagen obtenida de X - antes Twitter- de uno de Les Voyageurs instalado en París de Bruno Catalano. 

El propósito de Catalano es que parezcan vivas. "El significado puede ser diferente para cada uno, pero para mí las esculturas representan un ciudadano del mundo". En sus manos, la escultura deja de ser una materia muerta: "Busco el movimiento y la expresión de los sentimientos. Hago emerger nuevas formas de la inercia y logro suavizarlas para darles nueva vida". Sus viajeros realmente existen, son personas que ha ido conociendo a lo largo de su vida: el marinero, el piloto, el hípster, el ejecutivo. A cada uno le imprime una personalidad y un bagaje vital. En su mano izquierda, una maleta en la que guarda sus vivencias. Ese equipaje, además de hablar del personaje, constituye el punto de apoyo de la escultura, el que une, casi de modo invisible, las dos piezas. En él transporta nostalgia, orgullo y la esperanza de una vida mejor. Todo lo que posee cabe en una maleta y en el camino se va despojando de lo que creían esencial quedando en absoluta fragilidad. 

Imagen obtenida de X - antes Twitter- de uno de Les Voyageurs instalado en Venecia de Bruno Catalano

Es el hombre que él define "desfragmentado, desestabilizado y desorientado. Camina tanto hacia su salvación como hacia su perdición". Una de sus esculturas más apreciadas es la de Van Gogh, el pintor que también fue despojado de todo. Todo lo que posee cabe en una maleta.

La parte ausente que deja en cada una de estas figuras-casi siempre parte del torso- es el fragmento que se queda cuando uno emprende el viaje y también la huella que va dejando en el camino. La partida y el desarraigo son su temática recurrente. Estos cuerpos lacerados se incorporan al paisaje urbano y entablan con sus gentes un inquietante diálogo. La interpretación puede variar según el espacio, la luz, el punto desde el que se mira o la capacidad imaginativa del observador. Es difícil que deje indiferente. Se integran en el paisaje urbano como parte de lo cotidiano. El crítico de arte italiano Enzo Di Martino dice que de ellos emana "una especie de identificación entre la vida humana y el viaje".  

Imagen obtenida de X - antes Twitter- de uno de Les Voyageurs instalado en Venecia de Bruno Catalano. Sus vacíos son lo que uno va dejando atrás. 

Por último, el arte puede ser un poderoso motor de cambio social al promover el respeto a la diversidad y la inclusión. 

Los artistas y las instituciones artísticas desempeñan un papel crucial al crear obras y espacios que reflejen la riqueza de experiencias y perspectivas humanas y al desafiar estereotipos y prejuicios arraigados. 

¿Cómo el arte puede contribuir a la formación de estereotipos? 

•  A través de la representación y narrativa: El arte, ya sea en forma de pintura, escultura, literatura, cine, teatro o cualquier otra expresión, a menudo refleja las percepciones y concepciones culturales de la sociedad en un momento dado. Si los artistas representan repetidamente a ciertos grupos de manera estereotipada, estas representaciones pueden convertirse en la base para la percepción pública de esos grupos. 
• Por medio de clichés: En la creación artística, es común recurrir a clichés y tropos para comunicar rápidamente ciertas características o ideas sobre un grupo o cultura. Estos clichés pueden ser simplificaciones excesivas que perpetúan estereotipos en lugar de representar la complejidad de la cultura o la individualidad de las personas. 
• Por medio de la influencia de los medios de comunicación: Los medios de comunicación, incluyendo el cine y la televisión, desempeñan un papel importante en la formación de estereotipos culturales. La representación de ciertos grupos en películas y programas de televisión puede influir en la percepción pública de esos grupos, lo que a su vez puede llevar a una comprensión limitada o inexacta de su cultura. 
• A través del impacto en las percepciones y actitudes: La exposición continua a estereotipos culturales en el arte y los medios puede influir en las percepciones y actitudes de las personas hacia los grupos representados. Esto puede llevar a prejuicios, discriminación y estigmatización. 

¿Es posible desafiar los estereotipos a través del arte? A pesar de su potencial para crear y perpetuar estereotipos, el arte también puede ser una poderosa herramienta para desafiar y subvertir estos estereotipos. 

Los artistas pueden utilizar su trabajo para cuestionar las representaciones simplificadas y ofrecer una visión más auténtica y matizada de las culturas y las personas. De hecho es una responsabilidad del artista desde el punta de vista ético en la forma en que representan a grupos culturales y sociales en su trabajo. Pueden optar por evitar estereotipos perjudiciales y en su lugar buscar representaciones más precisas y respetuosas. 

Es importante destacar que no todos los artistas perpetúan estereotipos culturales en sus obras, y muchos han trabajado para desafiar y subvertir estas representaciones simplificadas y perjudiciales. 

Sin embargo, la historia del arte también incluye ejemplos significativos de cómo los estereotipos culturales han influido en la creación artística a lo largo del tiempo. 

Como en otros medios, la crítica y el análisis de estas representaciones en el arte son esenciales para promover una comprensión más rica y matizada de la diversidad cultural y humana. 

Los estereotipos culturales también pueden manifestarse en obras de arte a lo largo de la historia y en la actualidad. Algunos ejemplos de cómo los estereotipos culturales que han influido en el arte son los siguientes: 

• Obras colonialistas: En la época colonial, muchos artistas europeos representaron a las personas y culturas colonizadas de maneras que perpetuaban estereotipos. Por ejemplo, a menudo se representaba a las poblaciones indígenas de América y África de manera caricaturesca o exótica, lo que contribuía a la idea de superioridad de la cultura occidental. Dos ejemplos barrocos lo tenemos en Roma. Uno en la obra de Bernini, La fuente de los cuatro ríos; el otro, la inmensa bóveda de la Iglesia de San Ignacio. 

Imagen de La fuente de los cuatro ríos de Gian Lorenzo Bernini en Roma. Cada uno de los ríos está representado por una figura humana 

Imagen de La bóveda de la Iglesia de San Ignacio en Roma. Cada uno de los ríos está representado por una figura humana 

• Obras orientalistas: Durante el siglo XIX, hubo un movimiento artístico conocido como orientalismo en el que artistas europeos representaban el Oriente Medio y otras culturas de Asia y África de manera romántica y estereotipada. Estas representaciones a menudo carecían de autenticidad y contribuían a una visión eurocéntrica de esas culturas. Esto es visible en gran número de pintores europeos que reflejan la vida en el mundo Oriental como vemos en pintores como Eugène Delacroix, Ingres, Antoine Gros, Jean Léon Gérôme,  etc.

Imagen de La Odalisca y la esclava de Dominique Ingres. Imagen obtenida de Wikipedia

• Arte de propaganda: Durante la Segunda Guerra Mundial y otras guerras, el arte de propaganda a menudo representaba a los enemigos de manera deshumanizada y estereotipada. Por ejemplo, los carteles de propaganda a menudo caricaturizaban a los soldados enemigos como monstruos, lo que contribuía a la demonización de los adversarios. 

Cartel de Propaganda Soviética durante la Segunda Guerra Mundial obtenida de Wikipedia

• Estereotipos de género en el arte clásico: En la pintura y la escultura clásicas, se han representado estereotipos de género a lo largo de la historia. Las representaciones de la Venus romana, por ejemplo, a menudo idealizaban una belleza femenina estereotipada y conformada por los estándares de la época.

El nacimiento de Venus de Sandro Boticelli. Imagen obtenida de Wkipedia

En el arte contemporáneo encontramos artistas que utilizan estereotipos culturales de manera deliberada para abordar cuestiones de identidad, poder y representación y, simplemente, para hacer crítica social. A menudo, esto se hace de manera crítica para cuestionar y subvertir esos estereotipos en lugar de perpetuarlos. 

Por último, señalar que el arte ha participado, en ocasiones, de una apropiación cultural. Esto es un tema controvertido en la actualidad ya que algunos artistas han sido criticados por tomar elementos de culturas que no les pertenecen y utilizarlos de manera superficial o sin un entendimiento adecuado de su significado, lo que puede contribuir a la perpetuación de estereotipos. 

Se define apropiación cultural como la toma por parte de una cultura dominante, de elementos o prácticas pertenecientes a una cultura minoritaria que ha sido oprimida o perseguida históricamente. A menudo se suele confundir el término de apropiación con el de apreciación cultural. La apreciación cultural está mucho más cerca de una inspiración consensuada y consciente que de la usurpación cultural con meros fines lucrativos. 

Pero… ¿cuál es el límite entre ambos? Es una línea difícil de dibujar. Cuando se crea un arte inspirado en una cultura ajena desde una posición de total respeto y conocimiento sobre el origen y su significado, reluce un caso de apreciación cultural. Si se crea un producto de explotación económica a partir de la pobreza y la peculiaridad de un pueblo, nos aproximamos mucho más a la definición de apropiación cultural. Es una cuestión de perspectiva e interpretación. Muchas veces el arte se convierte en producto de masas y es ahí cuando entra toda la problemática de la apropiación cultural. 

La cultura pop es, por excelencia, la maestra de la apropiación cultural. Desde los noventa, algunos de los mayores hitos que han encabezado las listas han integrado, en algún momento, símbolos de culturas ajenas, y la mayoría han sabido salir aireados de la situación. La cultura oriental ha sido siempre un objeto exótico para las masas y el pop ha sabido fusionarla sabiamente en sus productos. La industria audiovisual ha sido la que más manifiesta esta apropiación. Pero no nos engañemos, esto es visible por ejemplo en el mundo de la moda, pensemos en las rastas que originariamente son de Jamaica y de África y hoy se han popularizado por el mundo occidental; o en el mundo de la música, pensemos en el flamenco , en la música como el hip hop o en el pop. 

Junto con el tema de los estereotipos culturales y artísticos hay que reconocer que últimamente hay un interés por la perspectiva de género y la perspectiva intercultural que vienen a ser enfoques importantes en el arte contemporáneo que buscan desafiar las normas tradicionales de género y promover una comprensión más profunda de las diversas culturas y experiencias humanas. 

Algunas formas en las que estas perspectivas se están manifestando en el arte actual son las siguientes: 

1. Representación diversa de género y la exploración de la identidad de género: Muchos artistas contemporáneos están explorando la fluidez de género y cuestionando las nociones binarias de masculinidad y feminidad. 

Esto se manifiesta en obras de arte que representan a personas que desafían las categorías tradicionales de género. Este cuestionamiento de estereotipos de género llevan a los artistas a abordar los estereotipos de género y critican las normas impuestas por la sociedad. Utilizan el arte para cuestionar y desafiar las expectativas tradicionales de cómo deben actuar y verse las personas en función de su género. 

2. Arte feminista: El feminismo en el arte: El arte feminista ha sido una fuerza importante en la promoción de la igualdad de género y la conciencia de la opresión de género. Las artistas feministas crean obras que abordan temas como el patriarcado, la sexualidad, la autonomía corporal y la representación de las mujeres en la cultura. 

3. Arte intercultural: Celebración de la diversidad cultural: Los artistas contemporáneos a menudo trabajan con temas interculturales, celebrando la riqueza y diversidad de las culturas del mundo. Esto puede manifestarse en obras que exploran la migración, la diáspora, la multiculturalidad y la hibridación cultural. 

Es una apuesta por el diálogo y la colaboración cultural: Algunos artistas promueven el diálogo y la colaboración entre diferentes culturas a través de sus obras. Esto puede incluir proyectos de arte en los que se trabaja en conjunto con comunidades locales o se exploran temas de identidad cultural en un contexto global. 

4. Arte que cuestiona el poder y la opresión: Interseccionalidad: La interseccionalidad es un concepto importante que reconoce cómo las experiencias de opresión y discriminación pueden estar entrelazadas. Algunos artistas utilizan esta perspectiva para abordar temas complejos relacionados con género, raza, orientación sexual y otros factores que afectan la identidad y la experiencia de las personas. 

5. Activismo artístico: El arte como activismo: Muchos artistas contemporáneos se involucran en el activismo a través de su trabajo. Utilizan el arte como una plataforma para abogar por el cambio social y político en cuestiones relacionadas con el género y la diversidad cultural. 

Ejemplos de estereotipos culturales y artísticos que han sido prominentes en tiempos recientes son las siguientes:

1. Representaciones de personas musulmanas en los medios: En las últimas décadas, ha habido una preocupación constante acerca de la representación de personas musulmanas en los medios de comunicación. A menudo, se les ha estereotipado como terroristas, extremistas religiosos o como personas atrasadas culturalmente. Estos estereotipos simplifican y distorsionan la diversidad de las comunidades musulmanas en todo el mundo. 

2. Estereotipos de género en la industria del cine: A pesar de los avances en la representación de género en el cine, persisten estereotipos que limitan a las mujeres a roles tradicionales. Por ejemplo, las representaciones de mujeres como personajes secundarios, chicas en apuros o intereses románticos, mientras que los hombres asumen roles más dominantes y activos. 

3. Estereotipos raciales en la comedia: En la comedia, a menudo se recurre a estereotipos raciales que pueden ser ofensivos. Un ejemplo cercano en el tiempo es la representación estereotipada de personas de ascendencia asiática en algunos programas de televisión y películas, perpetuando caricaturas y burlas basadas en su origen étnico. 

4.  Representación LGBTQ+ en los medios: Aunque ha habido avances en la representación de personas LGBTQ+ en los medios, a veces se utilizan estereotipos que reducen a los individuos a un solo aspecto de su identidad, como el estereotipo del "gay afeminado" o la "lesbiana masculina". Estos estereotipos no reflejan la diversidad y complejidad de las experiencias LGBTQ+. 

Autorretrato de Robert Mapplethorpe donado reciente a la Galeria  Uffizi (Florencia)

5. Estereotipos culturales en la moda: La industria de la moda ha enfrentado críticas por apropiación cultural, donde elementos de la cultura de un grupo étnico se utilizan de manera superficial o estereotipada en diseños y campañas publicitarias sin reconocer adecuadamente su significado. 

6. Representación de personas con discapacidades en el cine y la televisión: A menudo, las personas con discapacidades son representadas de manera limitada en los medios, centrándose únicamente en sus discapacidades y no en sus vidas completas. Esto puede perpetuar estereotipos que no reflejan la diversidad de experiencias de las personas con discapacidades. 

Estos ejemplos ilustran cómo los estereotipos culturales y artísticos pueden persistir en la sociedad contemporánea a pesar de los avances en la conciencia social y la representación en los medios. La crítica y el cuestionamiento de estas representaciones estereotipadas son importantes para promover una mayor comprensión y respeto hacia las diversas identidades y culturas en el mundo actual. 

A todo esto se suma que el arte puede ser una poderosa herramienta para promover el respeto a la diversidad en la sociedad. Los artistas y las instituciones artísticas pueden adoptar diversas estrategias y enfoques para fomentar la inclusión y el respeto a la diversidad. 

Aquí hay algunas formas en las que se puede apostar por el respeto a la diversidad en el arte: 

• Representación diversa: Los artistas pueden asegurarse de que sus obras reflejen la diversidad de la sociedad en términos de género, raza, orientación sexual, religión y otras identidades. Esto incluye representar a personas y comunidades que históricamente han sido marginadas o subrepresentadas en el arte. 
• Narrativas inclusivas: Las obras de arte pueden contar historias que celebren la diversidad y muestren las experiencias de diferentes grupos de personas. Estas narrativas pueden desafiar estereotipos y prejuicios, fomentando una mayor comprensión y empatía. 
• Colaboración intercultural: Los artistas pueden colaborar con otros artistas de diversas culturas y comunidades para crear obras que reflejen una variedad de perspectivas y enfoques artísticos. Esta colaboración puede enriquecer la creación artística y promover el diálogo entre culturas. 
• Espacios y plataformas inclusivas: Las instituciones artísticas, como museos y galerías, pueden crear espacios y plataformas inclusivas que sean accesibles y acogedores para todas las personas, independientemente de su origen, identidad de género, orientación sexual o capacidades físicas. Esto puede incluir la organización de exposiciones y eventos que celebren la diversidad. 
• Programas educativos: Las instituciones artísticas también pueden desarrollar programas educativos que promuevan la apreciación de la diversidad y la inclusión desde una edad temprana. Esto puede incluir visitas escolares, talleres y actividades que fomenten el entendimiento intercultural. 
• Activismo artístico: Muchos artistas utilizan su trabajo como una forma de activismo, abogando por causas relacionadas con la diversidad y los derechos humanos. Pueden crear obras que generen conciencia sobre cuestiones específicas o participar en movimientos artísticos que promuevan el cambio social. 
• Exploración de la identidad: Algunos artistas exploran cuestiones de identidad en su obra, ya sea la identidad de género, la identidad racial, la identidad cultural o cualquier otra. Estas exploraciones pueden ayudar a cuestionar normas y expectativas sociales y a fomentar la autoaceptación. 
• Diálogo y debate: El arte a menudo desencadena debates y discusiones en la sociedad. Los artistas pueden utilizar estas oportunidades para abrir un diálogo sobre temas de diversidad e inclusión, invitando a las personas a reflexionar sobre sus propias perspectivas y prejuicios. 

Ejemplos concretos de cómo el arte ha apostado por la diversidad y promovido el respeto hacia diferentes identidades y culturas lo encontramos en el  Arte contemporáneo y en cómo se ha enfrentado a la diversidad de género.

Por ejemplo, la artista visual mexicana Frida Kahlo encauzó su obra para explorar temas de género y sexualidad, así como su representación de la diversidad cultural y étnica de México. 

El fotógrafo estadounidense Robert Mapplethorpe desafió las normas de género y sexualidad en su trabajo, capturando retratos provocativos que cuestionan las convenciones sociales. 

Existen además narrativas LGBTQ+ en el cine y la televisión: La película "Moonlight" (2016), dirigida por Barry Jenkins, es un ejemplo de una narrativa LGBTQ+ que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película. La película explora la vida de un joven afroamericano que lucha con su identidad y sexualidad. 

Además hay exposiciones de arte inclusivas y que se convirtieron en modélicas como la exposición "Soul of a Nation: Art in the Age of Black Power" en la Tate Modern de Londres que exploró el arte producido por artistas afroamericanos durante las décadas de 1960 y 1970, resaltando las voces y perspectivas de la comunidad negra en Estados Unidos. 

A esto se suman las Performance y activismo visible por ejemplo en la obra de la artista chilena Cecilia Vicuña ha utilizado la performance y el arte para abordar temas de género, migración e interculturalidad, promoviendo la conciencia social y la inclusión. 

Igualmente artistas contemporáneos indígenas de todo el mundo, como la artista Inuk canadiense Annie Pootoogook, fallecida en 2016 han ganado reconocimiento internacional por su arte que refleja sus experiencias culturales y su perspectiva en la sociedad moderna. 

Imagen de la obra Bringing Home Food de Annie Potoogook (1969-2016) realizado con lápices de colores de grafito y rotulador sobre papel. National gallery of Canada

Existen igualmente Proyectos de arte comunitario como el proyecto "Inside Out" del artista francés JR, uno de los máximos exponente del Street Art,  ha llevado retratos de personas de diversas comunidades a escala global y los ha exhibido en espacios públicos, promoviendo la diversidad y la inclusión a nivel internacional. Convierte con su proyecto visual a los espacios públicos  en galerías de arte al aire libre. 

Una muestra de Inside Out del artista JR en octubre de 2014 en el Panteón de París. Imagen obtenida de internet de la web de Traveller.

Se suma a todo los anteriormente dicho el arte de la diáspora. El artista nigeriano-americano Kehinde Wiley es conocido por sus retratos de personas de ascendencia africana en poses y estilos artísticos que hacen referencia a la historia del arte occidental, desafiando así las narrativas tradicionales sobre la identidad negra. 

Retrato de Barrack  Obama publicado en The New Yorker. Imagen tomada de su web

Por último, hay corrientes que hablan del Arte y la discapacidad: La artista británica Sue Austin, nacida en 1965, esta artista discapacitada física utiliza la silla de ruedas como una herramienta de arte. Trabaja en multimedia, performance e instalación,  y ha realizado una serie de proyectos visuales como ¡Creando el espectáculo! y performativos para desafiar las percepciones sobre la discapacidad y la movilidad. 

Imagen de Sue Austin de su proyecto "Creating the spectacle" en blog.ted.com

Estos ejemplos ilustran cómo el arte contemporáneo ha abrazado la diversidad en sus diversas formas, ya sea a través de la representación de diferentes identidades, la exploración de temas de género y sexualidad, o la promoción de la inclusión y el diálogo intercultural. Estos artistas y proyectos contribuyen a una comprensión más profunda y respetuosa de la diversidad en la sociedad.

Descolonizar la mirada

"Descolonizar la mirada" se refiere a un proceso intelectual y cultural que busca cuestionar y desafiar las perspectivas y supuestos arraigados en la colonización, con el objetivo de promover una comprensión más justa y equitativa del mundo y de las culturas diversas que lo componen. 

Descolonizar la mirada es un esfuerzo por deshacerse de las concepciones coloniales y eurocéntricas del mundo y adoptar una perspectiva más inclusiva y equitativa que reconozca la riqueza y la complejidad de las culturas y las historias diversas que coexisten en el planeta. Este proceso busca fomentar un mayor respeto y comprensión entre las personas y promover la justicia social y la igualdad.

Este concepto se ha vuelto especialmente relevante en el contexto de los estudios culturales, la antropología, la literatura, la historia y otros campos académicos y sociales en los que se abordan las consecuencias de la colonización y el imperialismo. 

Algunos de los aspectos clave de la descolonización de la mirada incluyen: 

1. La reflexión crítica: Se trata de analizar y cuestionar las narrativas dominantes y las estructuras de poder que han influido en la forma en que vemos y entendemos el mundo. Esto implica examinar cómo la colonización y el colonialismo han moldeado nuestras percepciones y concepciones culturales.

2. Reconocimiento de la diversidad cultural: La descolonización de la mirada promueve la apreciación de la diversidad de culturas y la valoración de las voces y perspectivas de las comunidades marginadas o colonizadas que a menudo han sido ignoradas o subrepresentadas en la historia y la cultura mainstream. 

3. Recuperación de historias y conocimientos marginados: Se busca dar visibilidad a las historias, conocimientos y prácticas culturales que han sido suprimidos o distorsionados debido a la colonización. Esto implica dar voz a las comunidades indígenas y a otras poblaciones marginadas para que puedan compartir sus experiencias y sabiduría. 

4. Desafío a los estereotipos y prejuicios: La descolonización de la mirada también implica desafiar y desmantelar los estereotipos y prejuicios arraigados que pueden perpetuar relaciones de poder desiguales y discriminación. 

La descolonización de la mirada en el arte implica un compromiso activo con la reflexión crítica, la inclusión y la justicia cultural. Busca desafiar las estructuras de poder en el mundo del arte y promover una apreciación más equitativa y respetuosa de las múltiples perspectivas culturales que existen en el mundo. Esto implica desafiar y transformar las narrativas y prácticas artísticas que han sido influenciadas por la colonización y el eurocentrismo. 

Lo cierto es que los artistas y las instituciones artísticas han abordado la descolonización de la mirada a través de diversas estrategias creativas y colaborativas para ampliar las perspectivas y desafiar las narrativas coloniales en el arte. Para ello estos artistas han apostado por soluciones creativas diversas como las siguientes: 

1. Reinterpretación de iconografía colonial: Los artistas pueden tomar imágenes y símbolos tradicionalmente asociados con la colonización y darles un nuevo significado. Por ejemplo, reinterpretar una pintura histórica que celebra la conquista colonial desde la perspectiva de las comunidades indígenas afectadas, resaltando sus experiencias y resistencia. 

Por ejemplo, tanto la artista mexicana Carmen Lomas Garza creó la serie de grabados "Codex Espangliensis" en la que reinterpreta el estilo de los antiguos códices mexicanos precolombinos para contar historias contemporáneas de la comunidad latina en Estados Unidos. Al igual que realizará a mediados de los años 50 Enrique Chagoya o Guillermo Gómez Peña en su Codex Espangliensis: from  Columbus to Border Patrol. 

2. Colaboración con artistas indígenas y locales: Fomentar la colaboración y el diálogo con artistas indígenas y locales para incorporar sus perspectivas y conocimientos en proyectos artísticos. Esto puede ayudar a ampliar la diversidad de voces y enfoques en el arte. 

En este sentido la artista canadiense Rebecca Belmore colaboró con comunidades indígenas en Canadá para crear la instalación "Vigil" en la que representó en un espacio arrebatado al los indígenas que simboliza la resistencia y la memoria histórica. 

En 2002, Belmore compartió una pieza llamada “Vigil”, como parte del Talking Stick Festival en Vancouver, Columbia Británica, Canadá, dentro del territorio no cedido e ilegalmente ocupado de los pueblos Coast Salish. “Vigil” se realizó en una esquina del Downtown Eastside, un vecindario ampliamente conocido como el “código postal más pobre” de Canadá. 

La “Vigilia” de Belmore conmemora a las mujeres asesinadas y desaparecidas que siguen siendo ignoradas por el sistema de justicia en la actualidad y ser ella a través de su perfomance testigo de su duelo, que no tiene un espacio acogedor ni seguro en el ámbito público.

Además, se puede asumir con seguridad que las experiencias personales de Belmore que condujeron a esta actuación crearon la necesidad de este ritual. Cuando grita los nombres de las mujeres desaparecidas y asesinadas, y cuando arranca el vestido clavado, somos testigos del dolor que necesitaba este ritual para expresarse.

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3. Exposiciones y eventos temáticos: Plantear exposiciones y eventos temáticos que destaquen las obras de artistas indígenas y de otras culturas marginadas. Estos eventos pueden servir para educar al público sobre la riqueza de estas tradiciones artísticas y su importancia. 

Un ejemplo de ello lo tenemos en el Museo Nacional de los Indios Americanos en Washington D.C. presenta exposiciones que destacan el arte y la cultura indígena de las Américas, como "Infinity of Nations," que celebra la diversidad de las naciones indígenas. 

4. Narrativas subalternas: Crear obras de arte que cuenten historias subalternas, es decir, historias de personas y comunidades que han sido oprimidas o silenciadas. Esto puede incluir el uso de medios como la fotografía, la pintura o la escultura para dar voz a estas experiencias. 

Por ejemplo, el fotógrafo sudafricano Zanele Muholi ha creado una serie de retratos titulada "Faces and Phases" que documenta las vidas de personas lesbianas, gays, bisexuales y transgénero negras en Sudáfrica, poniendo de relieve las luchas y la resistencia de esta comunidad. 

5. Cuestionamiento de estereotipos: Los artistas pueden desafiar los estereotipos y clichés culturales en sus obras. Por ejemplo, evitar la representación simplista y exóticamente de culturas no occidentales y en su lugar retratar la diversidad y complejidad de estas culturas. 

En este sentido el artista chino-estadounidense Wucius Wong desafió los estereotipos occidentales sobre el arte chino en su serie de pinturas abstractas que incorporan elementos de la caligrafía china, pero se alejan de la representación tradicional.

 

6. Exploración de la identidad cultural: Los artistas pueden reflexionar sobre su propia identidad cultural y cómo ha sido moldeada por la colonización. Esto puede llevar a obras personales que exploren cuestiones de identidad, pertenencia y herencia cultural. 

Por ejemplo, el pintor británico de ascendencia nigeriana Chris Ofili ha creado obras que exploran su identidad como un artista negro en el Reino Unido y su conexión con la cultura africana, como su famosa pintura "The Holy Virgin Mary." que hemos visto en el capítulo anterior.

7. Utilización de materiales y técnicas tradicionales: Algunos artistas eligen utilizar materiales y técnicas tradicionales de culturas indígenas o locales en su trabajo. Esto no solo honra las tradiciones culturales, sino que también desafía las normas occidentales de arte. 

El artista nativoamericano  -navajo- Tony Abeyta utiliza técnicas tradicionales de tejido de tapices en sus obras de arte contemporáneas, lo que combina las tradiciones culturales con la expresión artística contemporánea visibles por ejemplo en sus oleos,  Magic Canyon  o The Runaways  . 

8. Educación y diálogo: Organizar talleres, charlas y discusiones que fomenten el diálogo sobre la descolonización del arte. Estas actividades pueden ayudar a sensibilizar a los artistas y al público sobre la importancia de este proceso. 

La Universidad de Auckland en Nueva Zelanda organizó un simposio que reunió a artistas, académicos y comunidades indígenas para discutir cómo el arte contemporáneo puede abordar cuestiones de descolonización y reconciliación.

Estas han sido algunas de las respuestas dados por artistas para iniciar ese complejo y largo viaje para descolonizar la mirada.